ACTIVIDAD DE INICIO Y CIERRE - TRABAJO Y CIUDADANÍA

1) Leer y analizar la siguiente frase:

2) Analizar la siguiente imagen:

3) Poner en contexto ambos análisis y responder:

- ¿Cómo podemos ubicar la frase y la imagen en un concepto unificado?
- ¿Qué conclusión crítica podemos realizar?

CIERRE:

Analizar la siguiente frase y construir términos en el pizarrón en base a lo charlado en clases.

Actividad 1 de "Un enfoque diferente"

VIDEO 1

VIDEO 2

1) Escuchar atentamente el tema “Aquí” del grupo La Ley y realizar una descripción e interpretación de lo visto.

2) ¿Qué objetos llamativos aparecen en el video?

3) ¿Qué interpretación del video podes realizar? ¿Qué causas creés que pueden haber generado un mundo así?

4) ¿Cómo asociás el video 1 con el video 2? Justificar.

Todos amamos a Rita… (O el síndrome de odiarla)

VIDEO DEBATE

"Se el tipo de adulta que los niños quieren ser". 

La primera vez que vi la serie, me costó un poco adaptarme al tono danés de sus actores. Sin embargo, con el tiempo y con el accionar de las escenas, me vi sumido en una gran contradicción. Amarla u odiarla.

El planteo es sencillo. Una docente, profesora de Historia, que más allá de sus saberes como profesional, embiste la vocación desde un lugar de inserción social y auto exigencia que la pone diariamente en una compleja situación: equilibrar de una vez por todas una sociedad desigual.

En tal sentido, Rita, la docente danesa, se vuelve un paradigma constante que busca enlazar el estudio de los contenidos con un sinfín de situaciones áulicas imposibles de medir. El respeto y la reciprocidad que los alumnos mantienen para con ella, la colocan en un lugar impensado en su adolescencia y que es el eje de esta nota. Y aquí radica el amor.

Pero, por otro lado, su inconstancia en su vida personal y su fácil acceso a la autodestrucción, la vuelven un condimento espeso mediante el cual, a veces, puede fallar.

A pesar de tener una familia y de considerarse parte de un sistema cuya rueda continúa girando (con o sin ella), Rita se entiende a sí misma como un eslabón desengranado de un estructura mucho más poderosa que ella: su propio yo. Y aquí radica el elemento más inestable de su prodigiosa carrera y, por supuesto, el odio.

Cuando me dispuse a tratar de escribir sobre Rita, me surgió la idea de hacerlo en la revisión de unas cuantiosas escenas. Sin embargo me di cuenta que no hay casi nada traducido en las redes sociales. Ni en YouTube, ni en Instagram, ni en Facebook.

Así las cosas, tomé prestadas de forma desprolija, algunas escenas de la cuarta temporada para entender definitivamente quién es Rita. Y para mi propia sorpresa no solo encontré a la adolescente rebelde que imaginaba, sino a un sinfín de conflictos internos y externos que la llevaron a encontrar en el docente menos pensado el futuro de su estabilidad y la vocación de su felicidad.

Por tal motivo encontré como resultado algo breve: no todos somos lo que esperamos de nosotros mismos. Ni sabemos que nos deparará el destino. Sin embargo, es en el individuo menos esperado y en el menos pensado, en donde encontramos la resolución de todos nuestros conflictos.

Amén de esto, los docentes somos el equilibrio entre el mundo (esa caja que se abre al finalizar el colegio) y las metas y desafíos que nos esperan a lo largo de nuestra vida. Por lo tanto, la tarea es doble. No solo se trata de educar en contenidos, sino de formar socialmente a individuos que harán de este mundo un lugar mejor.

ACLARACIÓN: la utilización de este video permite un análisis crítico sobre la función de un docente. Es imprescindible aclarar el cambio de visión desde el principio del video hacia el final, a cerca del profesor tirano y déspota. En la contraposición de visiones, el resultado es muy valioso y la opinión crítica resulta fundamental a la hora de debatirlo.

ANA BROWN De Daniel Favieri Tuzio

Corrección literaria: Mariana Favieri

Ella iba a morir en el mismo instante en que la tierra temblara, el cielo se rompiera y sus sueños se derrumbaran. Eso fue lo que me hizo creer Ana Brown, durante el crudo invierno de mil novecientos setenta y siete. La siguiente vez que la vi, Ana ya estaba muerta. Y entonces recordé sus palabras: “No habrá peor muerte que el olvido”.

Ana era una de esas mujeres que cautivaban con un simple gesto. A través de una mirada penetrante de color celeste como el cielo y de un pelo rubio como jamás había visto, la actriz de los teatros llenos lograba captar la atención de todos. Ya sea por su completo vocabulario (porque le gustaba leer el diccionario) o por sus fuertes discursos políticos, Ana Brown siempre era primera plana.

Sin embargo, a esta actriz de un talento inconmensurable, le aquejaba uno (y tan solo un) miedo. Y este refería directamente al olvido.

Si bien, para cualquier artista el olvido es el tirano del éxito, para Ana lo era aún más. Es que ella, sin darse cuenta, se había subido a una montaña rusa que, hasta ese invierno, había ido siempre en subida.

Pero de nada serviría el talento y el éxito, ni la perpetuidad ni las esperanzas, si es que en todo este conjunto no se tendría una visión social. Y, para Ana Brown, la política era tan importante como su vida misma.

En cierto momento de su adolescencia, Ana había dudado si transformarse en actriz o bien continuar sus estudios en la carrera de derecho para luego orientarse a la política. Pero prevaleció el ímpetu y su espíritu bohemio aunque, es justo aclararlo, dicho espíritu cedió un vasto terreno al bagaje político que produjera la sucesión de hechos desafortunados que la llevaron a morir.

Fue ese mismo año en que Ana Brown me hizo su confesión, cuando la extrema militancia peronista (no montonera) la puso en el ojo de la tormenta.

Testigo vociferante del fenómeno Eva Perón y entregada a la causa de su convicción, Ana estrujó su corazón y encendió la mecha de su flagelación interior. No le importaba tanto el qué dirán, ni los juicios de “opinología” barata, sino más bien las bondades de luchar por lo que siempre creyó… Su libertad de expresión.

“El artista no debe callar. El artista es del pueblo. Si no es por ellos… ¿Quién nos aplaudiría? ¿Quién daría hasta el último centavo por nuestras vidas? ¿Quién nos daría la existencia?” me contó, casi entre lágrimas, un año antes de su muerte.

Recuerdo que ese día, el gobierno militar argentino (con Videla en la cúpula) había decidido el cierre de un pequeño teatro de la provincia de Buenos Aires que, entre otras actividades, realizaba piezas de carácter comunista.

A razón de esto, Ana Brown tomó partido por sus colegas manifestando abiertamente su repudio a la censura y a la libertad de expresión. Sin embargo, salvo que las manifestaciones fueran espontáneas o en directo (por algún canal de televisión), la actriz era censurada.

A pesar de la situación que se vivía en el país, Ana Brown sostenía que el exilio era una de las peores consecuencias de la causa. Más allá de esto, se sentía en la indefinición de no saber cuál sería su destino final, pues muchos de sus amigos también habían desaparecido.

En lo sucesivo, la actriz comenzó a asistir a un grupo del que pocos sabían su pertenencia. Según algunos allegados, me comentaban que se trataba de un puñado de artistas socialistas y utópicos, aunque yo expuse mi parecer: “es muy probable que fueran montoneros” le dije a Norma, su íntima amiga, que no tardaría en recordarme que Ana no comulgaba con esa idea. Sin perder el tiempo agregué: “yo no comulgo con el comunismo, pero si es para llevarle la contra a los milicos, no dudes de que me prendo”.  

En la reconstrucción de sus últimos días, muchas versiones circularon en los noticieros, diarios y programas de radio. Pero ninguna tan certera como la visión de aquellos que la veíamos con cierta incertidumbre. De hecho, esa constante sensación de que todo en su vida era espontáneo fue la que nos llevó a no perderle pisada.

Sabíamos que, pocos meses antes de su deceso, había comenzado una relación con un joven actor de teatro independiente. Pero, a la vez, había intensificado su actividad en el extraño grupo. Más allá de eso, dos integrantes de dicho espacio habían desaparecido en ese crudo invierno. Lo supimos apenas nos presentamos en la comisaría del barrio en dónde aparentemente fue vista por última vez. Allí, familiares de los otros dos desaparecidos confesaban haber escuchado sobre la presencia de Ana en las reuniones.

Así, cuando apareciera muerta unos meses después, nos dimos cuenta de que el mensaje era claro. Ya no importaban los nombres, ni el género, ni el modo de lucha. Lo que los militares querían hacer era un genocidio humano y cultural. Un modus operandi que erradicara de las paredes de nuestra Nación todo vestigio de lucha, de ideales contradictorios y de sueños utópicos que atentaran contra la idea de Estado que ellos venían a proponer.

Esta es mi versión sobre la muerte de Ana Brown. No fuimos amigos ni enemigos, sino mutuos admiradores de nuestros propios vaivenes culturales. Creo que Ana logró trasgredir las fronteras de la simpleza de un artista, convirtiéndose en su propia victimaria. Sabiendo que la oscuridad que aquejaba a nuestra tierra, prontamente la podría transformar en víctima.

Su mayor suplicio fue pervivir en las mentes de sus admiradores. Y sin embargo, el paso en falso de su pertenencia, el equívoco juego de su mente y el poco tacto de conocer un poco más sobre su extraño grupo, probablemente la condenaron a aquello a lo que siempre temió: el olvido.

Supusimos que su muchacho de poco tiempo, (del que nunca nadie volvió a saber ya que vivió en el ostracismo), fue el entregador final. Y creo fervientemente que la aparición de Ana Brown fue la evidencia de que en la Argentina “no se jodía ni se debía pensar”.

Fueron tiempos difíciles. Años en los que hube recordado aquella frase en mi cabeza. Una y otra vez. Guardando el tono de su voz y cada gesto de su cuerpo.

Tan solo éramos cinco personas en su velatorio. Afuera hacía frío… Era un crudo invierno de mil novecientos ochenta y cuatro. Con la Democracia en pañales y las esperanzas vagas.

Miré por la ventana y busqué su rostro en un viaje atemporal. Me di cuenta de que tenía razón. El tiempo había hecho estragos. Hizo de su fama una ruina y de su clamor por el pueblo una desolación. En siete años, Ana Brown había sido olvidada, sustituida y deshonrada. Ya nadie la recordaría excepto estos pocos que aún creemos estar vivos en alguna parte o en algún lugar del mundo. Ciertamente, no tuvimos las agallas de Ana. Tan solo fuimos aquellos que la abandonamos en ese largo viaje que significa soñar con un mundo mejor. Ese mundo en que, según la hora de su defunción, había llorado, había temblado y la había olvidado.

Hotel Edén, un lugar en la Historia mundial

Grandes figuras desfilaron por sus escaleras en la época de oro del hotel. Misterios varios se sucedieron en lo que algunos habrían de llamar el “Titanic” argentino. Incontables anécdotas fantasmagóricas se sucedieron entre sus ruinas. Y un pasado de condena anti nazi tiñó de oscuro sus blancas y lujosas paredes al pie de las sierras cordobesas. Sin embargo el Hotel Edén fue más que esto. Fue la estructura en donde se desarrolló parte de la Historia del mundo en general y de la Argentina en particular. Un espacio de descanso para las altas elites de Europa y para grandes personalidades de nuestro país. Un análisis que merece la pena ser vivido.

Demás está decir que durante el período recorrido desde 1898 hasta 1946 (con la fundación del Hotel Edén y el final de la segunda guerra mundial) muchos fueron los sucesos vividos.

En el caso de la Argentina, el ascenso del radicalismo al poder en 1916, la semana trágica y la Patagonia Rebelde, el primer golpe de Estado, la muerte de Yrigoyen y el ascenso de la figura de Perón como símbolo del cambio en la sociedad. En el mundo, los nacionalismos y la guerra civil española, la llegada de Hitler como canciller y la invasión a Polonia como inicio de la Segunda guerra mundial.

Todo lo antedicho se somete al más pormenorizado análisis y refiere a la cantidad de situaciones que mezclaron a este lujoso hotel con los más importantes momentos de la Historia a saber: un lujoso hotel de paraísos europeos soñados y pensados por alemanes utópicos a los que el destino puso en tela de juicio a lo largo de su vida.

Había viajado a La Falda, Córdoba desde mi infancia. Y había escuchado de la existencia del hotel Edén durante cada una de las veces que fui de visita. Incluso jugábamos al fútbol con mis primos en canchas aledañas al lugar. Pero nunca, ni remotamente, hubiera imaginado lo que escondían los muros del hotel.

Así, ya adulto y decidido a entrar, me encontré con un lugar perdido en el horizonte de las ruinas que se dibujaban con las sombras grises de las sierras que lo abastecieron de agua durante tantos años de existencia.

Inaugurado en 1898 por el alemán Robert Bahlcke (que había adquirido las 900 hectáreas del territorio perteneciente a Biallet Massé) el hotel pasó a manos de María Herbert de Kraeutner quien con firmeza y planificación levantó las hipotecas firmadas con Tornquist.

Además, María decide implementar un sistema de publicidad que permitiera a las altas alcurnias conocer el lugar.

Pero fueron sin embargo Walter y Bruno Eichhorn quienes tomaron la posta del hotel en 1912 dando comienzo a la época más intensa del terreno, pero a la vez la más controversial.

Hasta ese momento habían pasado por sus instalaciones figuras de la talla de Julio Argentino Roca, Bunge, Rubén Darío y Anchorena entre otros a los que se les sumaría la figura de Albert Einstein y el misterio de los oficiales nazis en una etapa álgida de la historia.

Alemania se había transformado en un país ultra nacionalista, coincidente con la expansión de los fascismos en toda Europa. En 1933 Adolph Hitler es nombrado canciller de Alemania obteniendo grandes adhesiones a su campaña. Entre estas adhesiones, la familia Eichhorn contribuyó simbólica y materialmente al ascenso del líder alemán.

A partir de entonces, los intercambios de cartas, las visitas a Alemania por parte de la familia y la participación activa en la causa nazi permitieron concentrar la historia de Europa y La Falda haciendo del hotel un punto de encuentro entre la fama y el ostracismo.

Es que el hotel, ya con los Eichhorn a la cabeza, fue la visita obligada de las altas clases europeas que buscaban un refugio en el mundo, mientras que para las argentinas (imposibilitadas de viajar a la Europa en guerra) fue un nuevo horizonte de anclaje.

Este lugar paradisíaco, pensado como una reproducción de las tradiciones alemanas, logró el esplendor esperado durante ese tiempo, pero la oscuridad de 1945 y la caída de Alemania, hicieron que el hotel fuera expropiado y utilizado como prisión de lujo para diplomáticos japoneses en connivencia con el EJE.

En 1947 el hotel Edén es devuelto a sus dueños, pero prontamente se decide la venta del mismo. Aunque en tan corto tiempo, los Eichhorn fueron producto de varias especulaciones. Entre ellas el haber albergado a Adolph Hitler quien supuestamente se habría suicidado tras la caída de Alemania. “Yo lo vi a Hitler. Un día, entrando en una habitación. Tenía el pelo más largo y no llevaba bigotes” contaba un mozo del hotel en la revista Viva de 1999.

Lo cierto es que a partir de este hotel (y de los Eichhorn en particular) la ciudad de La Falda comenzó a fundarse. En principio con un loteo que permitiría a los mismos empleados del lugar hacerse de un terreno para construir su casa propia y disfrutar de una nueva tierra que lentamente se fue formando con cierta estética alemana y dotes de atractivo europeísmo.

No es por casualidad que en La Falda aún los Eichhorn continúen siendo un nombre de peso a la hora de los reconocimientos, más allá de su comprobable pasado. Es que éste no puede opacar de ninguna manera lo que muchos canales de televisión y diarios omiten: que a través de las sucesivas visiones de los dueños del Hotel Edén, se contribuyó a la Historia argentina y a la modernización de una forma de hacer turismo en el país.

Cuando los Eichhorn deciden vender el hotel, una sociedad (en supuesta colaboración con Juan Duarte) conocida como “las tres K” realiza la compra del mismo y en 1965 (con nueva dueña de por medio) el hotel abriría sus puertas por última vez.

Así, el misterio del hotel se transforma en mucho más que un fantasmagórico cuento de terror.  Se vuelve una porción de tierra importante. Una evidencia de la historia mundial. Un debate cronológico entre sus 120 años de historia por los que no solo fue un sitio de hospedaje común y corriente, sino que además fue la formación de una nueva sociedad de clases subalternas que prontamente se transformaron en propietarios de clases medias y que a base de construcción y esfuerzo cautivaron a las más altas clases de nuestro país. Y eso también es parte importante de nuestro país.

Soda Stereo: marca a fuego de una época de cambios.

El período abarcado entre 1976 y 1983 está signado por las consecuencias visibles a través del tiempo. La dictadura militar había devastado no solo la moral económica de la Nación, sino también la moral psíquica de nuestros individuos.

Así como desde finales de los 60´s hasta el 24 de marzo de 1976 la música había sido el sinónimo de la rebeldía de los más jóvenes, del 76 al 83 produjo una doctrina de la irreverencia.

Los años de oscuridad de la Argentina, encontraron en la música progresista y en unos cuantos músicos (exiliados incluso) la voz de su conciencia.

Con el desastre de Malvinas, la debacle de Galtieri y un proceso militar en decadencia, el 83 provoca un nuevo aire.

Desde los atriles irrumpe Raúl Alfonsín y con él la Democracia, el derecho a la libertad de elección y un viento de cambio. La gente necesitaba volver a creer. El pueblo quería volver a cantar.

Si bien Virus magnifica el cambio de estilo musical algunos años antes, fue la llegada de Soda Stereo la que provocó el símbolo de ese cambio. Inesperado, como un torbellino y con la sensación de nunca más Cerati, Zeta y Charly iniciaron un largo y sinuoso camino.

“Con Zeta estudiábamos juntos en la Universidad del Salvador y después llegó Charly que andaba persiguiendo a mi hermana. Pero se quedó tocando música con nosotros. Daba mejor de baterista que de cuñado” [1] se reía Gustavo Cerati.

Soda Stereo no solamente fue un sonido en el nuevo aire, sino que fue el cambio de rumbo hacia una nueva forma de hacer música. La expansión de las raíces de un rock & pop marcado por una sobredosis de TV que lentamente comenzó a llenar los pequeños bares en donde se presentaban.

Rompiendo con algunos mitos, la banda de Cerati compartía los escenarios con Sumo, Virus y Pappo entre otros. Y esto no refiere a un mero dato sino a la confluencia de sonidos que los oyentes podíamos encontrar por aquellos tiempos.

Cerati decía tiempo más tarde: "Ricardo (Mollo) es una persona muy importante y cercana en mi carrera. A comienzos de los 80, antes del segundo disco, con Soda sufrimos un robo tremendo después de un show en Ramos Mejía. Se llevaron el camión con todo: las empresas de sonido y luces quedaron al borde de la quiebra, no tenían nada y nosotros ni instrumentos. Los Sumo nos bancaron y fue Ricardo el que me prestó las guitarras y los equipos para grabar y salir a tocar. Casi nadie sabe eso. Nos hemos visto varias veces y siempre hubo aprecio y valoración mutua."

Sin embargo, los rumores y el público se encargaron de generar puertas afuera una inmensa cantidad de situaciones y declaraciones a fin de que todo fuera una guerra futbolera.

Sin embargo, dejando de lado esa cuota innecesaria de un sonido versus otro (la música es música) lo interesante pasa por el siguiente lugar: tratar ineluctablemente de entender que el nuevo sonido marcaba el inicio y la transición hacia una nueva era del rock.

El marketing y la forma de organizar un recital, mucho más profesional y recurriendo a grandes teatros, sienta el paradigma del rock. Latinoamérica se encontró con Soda Stereo y Soda Stereo encontró en Latinoamérica a un público muy especial.

“De esta forma se expande la visión hacia nuevas bandas y, en contraste con la época oscura de la dictadura que influía en la necesidad de voces progresistas, comienzan a consolidar su éxito los Soda Stereo, grupo que vería nacer su primer disco de la mano de Federico Moura de Virus. Sin duda nos referimos a un giro importante. Este tipo de rock le cantaba mucho más al amor que a las causas sociales, pero sin duda su impronta era un sello que indefectiblemente la sociedad necesitaba para olvidar la desdicha de épocas nefastas”

Sin embargo, el rotundo cambio incitó progresivamente a acciones de diverso tipo. Entendido de esta forma, Soda Stereo le entregó a un pueblo en llamas la capacidad de volver a creer, de volver a cantar, de volver a soñar. No se trataba de una época para olvidar, sino de un tiempo de profesionalización del rock.

Cada masivo recital de la banda, fue una movilización inusual. “Dany Giménez explica: “Cerati era un tipo con glamour que pertenecía a otro estrato social. Con una banda tan grande y un ego tan grande. Pero soda fue una banda popular. 150.000 personas en la 9 de julio”. Así, da cuenta de que a pesar de su estilo y su origen, Cerati había logrado lo que muy pocos pudieron: La mancomunación de diversos polos sociales”.

En definitiva, eso es Soda Stereo. No solamente un cambio musical en la era del rock, sino un sueño, una esperanza y una forma de creer que a partir de la música, todo puede ser mejor.

Soda Stereo fue la expresión del pensamiento de miles de personas que necesitaban volver a sentir aquellas sensaciones. Era la compañía abstracta para un grito de realidad. Era la mirada de la Democracia que venía a proponer una nueva Argentina. Era la historia de unos pocos que se transformaron en la de unos cuantos. Soda Stereo era simplemente un grupo de pibes que un día se subieron a un escenario y nunca (por más que lo hayan cantado) hubieran creído llegar a ser del Jet set. Y eso es el síntoma suficiente de que en esta vida los sueños pueden hacerse realidad. 

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[1] Gustavo Cerati. Hola Susana. Telefe. 

Aquellos héroes de mi infancia: “El Zorro”.

Anochecía en Argentina cuando las pantallas mostraban una luna blanco y negro nos mostraban la figura de un hombre de negro con capa y espada y que peleaba por la libertad de California. Siempre eran las 18:30 Hs. Y siempre aparecía. Nunca fallaba. Como en la serie, el Zorro transformaba lo imposible en posible. Era su tiempo. Era nuestro mágico mundo de ensueño.

Si bien las versiones de “el Zorro” son ilimitadas, me voy a tomar la atribución de hablar de aquella que creo que fue la más fiel y representativa del libro escrito por Johnston Maculen. Y es la de Walt Disney centrada básicamente en los años de la dominación española sobre América en general y de California en particular. Año 1820 para ser más precisos.

En mi primera concientización de por qué adoraba al zorro, me di cuenta de que había una gran oposición con los súper héroes de dibujos animados. Este era más real. Se lo veía de carne y hueso. Tenía una espada y se enfrentaba a villanos de verdad. Pero como si fuera poco, no tenía súper poderes que lo hicieran invencible, sino que me sobrecargaba de adrenalina cuando Diego de La Vega tenía que luchar. Es que en cualquier momento lo podían matar.

Pero eso nunca pasó. La habilidad del héroe con la espada era tal y su mente tan brillante, que someter a todo un ejército de tiranos españoles era tan solo un trámite para el valiente.

En mi segunda percepción, ya mucho mayor, “el zorro” no dejaba dudas. Su doble personalidad le daba eficiencia a la búsqueda de la liberación de sus opresores y dedicaba su vida a los demás sin pensar en la suya propia.

Y en mi tercera conmoción, me di cuenta de un caso particular. “El zorro” luchaba contra los tiranos en defensa del rey de España. ¿Es una blasfemia? ¿Es la deconstrucción del personaje? ¿Es la causa del zorro luchar para defender una tiranía mucho más compleja? Para todo esto hubo una respuesta.

Tuve la suerte de ver la serie en innumerable cantidad de veces. En distintos momentos de mi vida y hasta repitiendo las temporadas una y otra vez. Pero no fue sino hasta adquirir otras lecturas sobre América en que logré darme cuenta de cuáles eran las respuestas a estos crucigramas.

No se trataba de obtener radicalmente la libertad de América (ni la de California como tal que hasta ese momento era parte de México) sino de pensarla.

No existía una forma evidente de hacer la revolución. Eran los tiempos de San Martín, que ya había cruzado Los Andes y que estaba pensando el Perú. Eran los tiempos de Bolívar que había soñado la libertad de las futuras naciones, muriendo y resucitando una y otra vez. Y “el zorro” era un mero colaborador dentro de un territorio que todavía se había jurado español.

¿Entonces cómo hacer la Revolución? No se podía abolir el pensamiento de los peninsulares españoles de un día para el otro, ni se podía destruir a un ejército por completo. Eso lo podría hacer Superman, pero permítanme que les diga lo siguiente: Superman no hubiera podido por dos motivos. El primero es que Superman no hubiera estado emparentado por la causa americana ya que su país de residencia había dejado de ser colonia hacía muchos años y ya pensaba en su dominio de la región. Y si este alegato no sirve de mucho, les recuerdo que Superman no existe.

Entonces la tarea de “el zorro” era mucho más perspicaz, más complementaria y más necesaria a la vez. Porque sin hombres de tal valentía, no se habría logrado la transición hacia un mundo mexicano más real.

Y no hace falta recaer en lo obvio, el zorro es un personaje de ficción. Pero cuando hablamos de “realismo” enseguida podemos hacer una relación referencial. “El zorro” es tan comparable con los movimientos juntistas de América que juraban por el rey de España con el fin de hacer tiempo para pensar la transición a la Independencia, como es comparable con el nombrado San Martín, Bolívar y sumaría Miranda y O´Higgins. Hombres que le dieron a América una identidad y un concepto definitivo de pueblos del Sud.

Dentro de la serie, el sargento García representa a aquellos soldados que no se unían a los ejércitos por el mero hecho de creer en la causa, sino más bien por un cierto reconocimiento al prestigio que otorgaba ser parte de una sociedad militar. De ahí que si algo no pudo cambiar el sargento era su inocencia y su bondad.

“El zorro” ha demostrado a través de los tiempos la perdurabilidad necesaria para que todas las generaciones se hicieran eco del mismo. Que nadie pasara por este mundo sin saber quién era “el zorro”. Y si bien la serie fue hecha por una empresa del capital norteamericano, se respetó ese aire de libertad americana que no así sucediera en el caso de las películas como la última de Banderas.

Pero más allá de eso, “el zorro” de Guy Williams obtuvo el cariño de los más chicos. Inexplicablemente y con evidencias de lo que digo. El día en que mi hijo (en aquel tiempo de 3 años) tuvo que elegir su primer traje, no eligió a Spiderman, eligió al zorro. Sin conocerlo. Sin haber visto siquiera un capítulo.

Fue entonces que me di cuenta de que “el zorro” sí tenía un súper poder. No era un láser ni un fuego. Era el súper poder del encantamiento americano: la libertad, la independencia y los sueños de cambiar nuestra Historia. Sea eso quizás lo que encantó a mi hijo. Sea ese quizás el mismo encantamiento que produjo en mí desde siempre. Sea ese quizás el fuego de América que nunca debería de apagarse, para permitirnos ver que los pueblos unidos y de hombres con sueños, pueden ser mucho más importantes para una futura igualdad en la sociedad que un pueblo vacío y sin identidad.

Hoy traigo al zorro, a su espada y a su corcel. La vida de una sola persona entregada al fragor de las banderas de la ilusión.